Por Elros Alcarín
🇯🇵 JAPANESE VERSION BELOW 🇯🇵
Hay bandas de las que basta con escuchar unas pocas canciones y leer una breve presentación para hacerse una idea rápida de qué tipo de grupo son. Sin embargo, KOKESHI funciona de otra manera. Desde su formación en 2017, KOKESHI ha sido descrita a menudo como una banda que fusiona black metal, screamo, shoegaze y una estética cercana al horror. Sin embargo, cuanto más tiempo se dedica a sus canciones, videoclips y expresión visual, más empiezan a aparecer temas que no pueden explicarse únicamente con esas etiquetas. La identidad, la pérdida, las heridas que no desaparecen, los cambios que nos dan forma y la tensión entre el yo que mostramos y el yo que escondemos. En esta ocasión, antes de su concierto en Madrid como parte de su gira europea, quisimos hablar con KOKESHI desde un ángulo ligeramente distinto. No sobre géneros ni etiquetas, sino sobre las ideas, imágenes y emociones que parecen dar forma al mundo de KOKESHI.
REA – Después de haber tocado no solo en Japón, sino también en el extranjero, ¿hay algo que hayáis redescubierto sobre el atractivo o las características de vuestra música a través de la reacción del público?
Nana: Al tocar en el extranjero, algo que he vuelto a sentir es que, aunque el idioma no se entienda, el mundo que queremos expresar sí puede transmitirse. Aunque trabajamos dentro de un género intenso, no hacemos actuaciones ni MCs pensados para animar al público y hacer que el concierto crezca de esa manera. Por eso hay personas que observan en silencio el sonido y la performance, mientras que otras liberan sus emociones en el mosh. Cada persona recibe la obra tal como la siente. Volví a sentir que el mayor atractivo de nuestros directos es que el público puede experimentar la obra en sí como un espectáculo completo.
REA – En los vídeos y las letras de KOKESHI aparecen espacios cotidianos como dormitorios, casas o cocinas, pero a veces dentro de ellos se esconde una sensación inquietante o extraña. ¿Qué os atrae de lo siniestro que puede existir dentro de lo familiar?
Adel: Creo que la sensación de soledad que se produce al quedar abandonado en un bosque profundo o en plena naturaleza transmite, más que terror, cierta belleza o vacío. Cuanto más cercano es un lugar a nuestra vida diaria, cuanto más seguro debería parecernos, más miedo sentimos cuando ocurre algo extraño allí. Debajo de la cama. Un armario ligeramente abierto. Un cuchillo que debería estar en la cocina, pero aparece en un altar. Cuando algo está en un lugar donde no debería estar, sentimos incomodidad.
REA – KOKESHI incorpora ambas formas de expresión dependiendo de la canción. En la música de KOKESHI se percibe un interés mayor por las personas que están en medio de un proceso de cambio que por quienes ya han encontrado una respuesta. ¿Qué os atrae de ese proceso?
Adel: Creo que está bien que cada oyente tenga su propia historia para cada canción. Hay canciones en las que el sonido parece purificar letras o voces enfermizas, como las fantasías de un loco o de alguien incapaz de integrarse en este planeta o en la sociedad. Si intentas leer demasiado profundamente el mensaje o entender las canciones de una forma demasiado racional, puedes acabar enfermando, así que ten cuidado.
REA – En el pasado, Nana habló sobre experiencias difíciles, odio y la voluntad de seguir viviendo el presente. ¿Escribir letras es para ti una forma de entender las emociones o una manera de aprender a vivir con ellas?
Nana: Para mí, escribir letras no consiste tanto en entender mis propias emociones, sino en alojar en palabras las emociones y los paisajes que existen dentro de cada obra. Creo que eso hace que la obra pueda sentirse más real. En las letras suelo expresar distintas emociones negativas vistas desde otros ángulos, o transformar esas emociones en palabras que tienen otro significado. Intento escribir letras que permitan imaginar, a través del sonido, las escenas de la historia de cada obra.
REA – En las letras de KOKESHI aparecen de forma recurrente máscaras, contradicciones internas e identidades que se desmoronan. ¿Creéis que las personas pasan gran parte de su vida buscando su verdadero yo?
Nana: Vivimos en una época llena de objetos e información. Si apartamos la mirada, es fácil perder de vista qué queremos hacer realmente o cuál es nuestra esencia. Creo que es necesario detenerse una vez durante el camino y comprobar esa esencia enfrentándonos a nosotros mismos, ya sea preguntándonos directamente o mirándonos desde una perspectiva más amplia.
REA – En “Rokudō no Tsuji” aparecen repetidamente temas como la pérdida, el odio, el perdón y la destrucción. Sin embargo, la canción no parece intentar ofrecer una respuesta o una conclusión clara. ¿Os interesan más las preguntas que las respuestas?
Adel: Esa canción ocurre después. Es la historia posterior a una tragedia. Creo que canta de forma frágil aquello que se ha roto, o aquello que uno mismo ha destruido. Más que si la respuesta o la pregunta son importantes, se trata del cambio emocional de una persona. Las partes expuestas. La ira ardiente que aparece convertida en un vacío frío. La manera en que la expresión cambia en cada escena. En Occidente, a menudo se habla de las heridas como algo que debe superarse o dejarse atrás. En Japón, en cambio, existe el concepto del kintsugi, donde las grietas se reparan pero sus marcas permanecen como parte de la historia del objeto.
REA – Al leer las letras de KOKESHI, sentimos cierta conexión con esa manera de enfrentarse a las cicatrices. ¿Sentís algo cercano a esa idea?
Nana: Creo que no es posible hacer como si las heridas o el dolor del corazón humano no hubieran existido. Una herida, una vez aparece, si no se repara, empieza a corroerse poco a poco. Esa corrosión puede convertirse en rencor, consumir el propio corazón e incluso invadir otros corazones.No se trata de negar el sentimiento de rencor, sino de enfrentarse a él. Creo que así puede aceptarse como una parte de uno mismo. Por eso, en mis letras, el sentimiento de rencor aparece de forma natural.
REA – En la música de KOKESHI conviven momentos de una intensidad extrema con otros tan delicados que parecen estar a punto de romperse. Para vosotros, ¿qué relación existe entre esas dos emociones tan opuestas?
Adel: En la filosofía y en la raíz musical de KOKESHI hay un tema muy importante: lo estático y lo dinámico. A veces eso se transforma y se expresa como destrucción y purificación, vida y muerte, entre otras ideas. Creo que lo ideal sería poder crear canciones observando siempre las cosas también desde el punto de vista opuesto. En cuanto al sonido, la amplitud entre los sonidos pequeños y los sonidos grandes, los matices y la dinámica, son lo que más cuidamos a la hora de tocar como KOKESHI.
Nana: Los momentos tan delicados que parecen estar a punto de romperse hacen que la escena intensa que llega después se enfatice aún más. Del mismo modo, una frase delicada después de un momento intenso hace que el eco de esa intensidad se expanda. Creo que esas expresiones opuestas se enriquecen mutuamente.
REA – En la expresión visual de KOKESHI aparecen imágenes recurrentes como el mar, el hilo rojo, cuerpos fragmentados o figuras parecidas a sombras. ¿Hay símbolos o motivos que, incluso sin buscarlos conscientemente, acaban entrando de forma natural en vuestras obras?
Adel: Creo que, incluso sin hacerlo conscientemente, solemos tratar de forma simbólica los lugares donde antes hubo presencia humana, como ruinas, casas abandonadas o ciudades invadidas por bosques profundos. Por ejemplo, incluso en una canción que tiene la imagen de alguien ahogándose en medio del océano, el visual que creamos puede estar situado en el baño de una casa. Al crear vídeos o fotografías con un contraste distinto respecto al mundo del sonido y la letra, creemos que la canción gana profundidad y un rango expresivo más amplio. Tal vez lo importante sea no hacer coincidir de forma simple la imagen visual con la imagen sonora.
REA – Incluyendo los vídeos, la parte visual y la expresión en directo, KOKESHI parece tener un mundo que no puede explicarse únicamente a través de la música. ¿Hay emociones o imágenes que sintáis que queréis mostrar antes de explicarlas con palabras?
Nana: Sí. Primero queremos que se sienta el mundo de la obra. Los videoclips, las portadas de los CDs y los directos no son elementos separados, sino expresiones que forman una sola obra. Para que el público pueda entrar en ese mundo, la música es esencial, por supuesto, pero la información visual también es indispensable. Por ejemplo, la portada de un CD es una información que se recibe antes incluso de escuchar las canciones. Por eso la cuidamos como una puerta de entrada al mundo de la obra, para que se pueda sentir primero su atmósfera y su historia.
REA – En Europa, la música de KOKESHI suele presentarse como una fusión de black metal, screamo, shoegaze y estética de horror. ¿Creéis que esa descripción representa con precisión a KOKESHI o sentís que solo transmite una parte de la historia?
Adel: Como creamos canciones influenciados por el rock pesado y el metal, creo que esa descripción es precisa. Además, crecí escuchando canciones infantiles japonesas y kayōkyoku, así que también hay una parte importante de convertir música con raíces locales en algo pesado.
REA – Desde vuestra formación en 2017, habéis compartido escenario con muchos artistas extranjeros y habéis ampliado vuestra actividad fuera de Japón. ¿Habéis sentido diferencias en cómo se recibe KOKESHI según el país o alguna reacción que os haya sorprendido?
Adel: El público japonés suele mirar en silencio, conteniendo la respiración, así que el espacio adquiere una tensión muy alta. En el extranjero, en cambio, tengo la impresión de que el público está emocionado y disfruta del concierto de una manera más abierta. Los oyentes de los países asiáticos nos recibieron con mucho respeto. En Europa parece que hay muchas bandas que trabajan con temas de horror, espiritualidad u ocultismo, como nosotros, así que tenemos muchas ganas.
Si alguien descubre a KOKESHI por primera vez en el concierto de Madrid y sale del recinto sin recordar títulos de canciones ni géneros, ¿qué emoción o impresión os gustaría que se llevara de camino a casa?
Adel: Quiero que sienta destrucción y purificación. En origen, más que un grupo que piensa en cosas musicalmente complejas, somos una banda que emite graves pesados para provocar una liberación de dopamina. Me gustaría que pudiéramos ofrecer una salvación del alma a través de un sonido extremadamente oscuro, guitarras ambientales y poesía.
Nana: Quiero que lo vean entregándose a ese mundo sin pensar en nada. Y me gustaría que algo permaneciera en el corazón de quienes lo vean. Ese algo seguirá viviendo dentro de ti y creo que despertará el impulso de querer volver a ver a KOKESHI.
世の中には、数曲聴いて簡単な紹介文を読めば、どんなバンドなのかすぐにイメージできるバンドがいる。しかし、KOKESHIは少し違う。2017年の結成以来、KOKESHIはブラックメタル、スクリーモ、シューゲイザー、そしてホラー的な美学を融合させたバンドとして語られることが多い。しかし、楽曲やミュージックビデオ、ビジュアル表現に触れる時間が長くなるほど、それだけでは語れないテーマが見えてくる。アイデンティティ、喪失、消えることのない傷、自分を形作る変化、そして見せる自分と隠す自分との間にある緊張感。今回、ヨーロッパツアーの一環として行われるマドリード公演を前に、私たちは少し違った角度からKOKESHIに話を伺いたいと思った。ジャンルや肩書きについてではなく、KOKESHIという世界を形作っているように見える考え方やイメージ、そして感情についてである。
1. 日本国内だけでなく海外でもライブを重ねてきた中で、観客の反応から改めて気づかされた、自分たちの音楽の魅力や特徴はありますか？(亡無)海外でライブをする中で改めて感じたのは、言葉が通じなくても、私たちが表現したい世界観は伝わるということでした。激しいジャンルではありますが、観客を煽ってライブを盛り上げるようなパフォーマンスやMCは行いません。その分、音やパフォーマンスを静かに見つめる人もいれば、モッシュで感情を解放する人もいて、それぞれが自分の感じたままに作品を受け取ってくれています。一つのショーとして作品そのものを体感してもらえることが、私たちのライブの一番の魅力なんだと改めて感じました。
2. KOKESHIの映像作品や歌詞には、寝室や家、キッチンといった日常的な空間が登場する一方で、その中に不穏さや違和感が潜んでいることがあります。身近なものの中にある“不気味さ”に惹かれる理由は何でしょうか？(亜光)深い森や大自然に取り残されるような孤独感は、恐怖よりもどこか美しさや虚しさを感じる表現なのかなと思います。身近な生活圏内、安心感のある場所ほど、怪異が起こったときに人は最も恐怖を感じます。ベッドの下、少しだけ空いている押入れ。台所にあるはずの包丁が祠にあったり（そこには本来ないはずのもの）すると人は不快感を感じます。kokeshiは曲によってそのどちらの表現も取り入れています。
3. KOKESHIの音楽からは、答えを見つけた人よりも、変化の途中にいる人への関心が感じられます。そうした過程に惹かれる理由を教えてください。(亜光)リスナーごとに曲の物語があっていいと思っていて、この星や社会に溶け込めない人間、狂人の妄想、のような病的な詞や歌を、サウンドが浄化しているようなイメージの曲もあります。メッセージを深読みしたり、まともに曲を理解しようとすると病んでしまうので、気を付けてください。
4. 以前、Nanaさんは困難な経験や憎しみ、そして「今を生き続ける意思」について語られていました。作詞は感情を理解するための行為なのでしょうか。それとも、その感情と共に生きる方法を学ぶためのものなのでしょうか。(亡無)私にとって作詞は自分の感情を理解するためというより、その作品の中に存在する感情や景色を言葉として宿す行為であり、その作品をよりリアルにさせることができるものだと思っています。歌詞の中では、他の角度から見た様々な負の感情や、その感情を別の意味を持つ言葉に置き換えて表現することが多いです。奏でる音に各作品の物語の光景を想像させるような歌詞を書くことを心がけています。
5. KOKESHIの歌詞には、仮面や内面的な矛盾、あるいは崩れていくアイデンティティが繰り返し登場します。人は人生の多くの時間を「本当の自分」を探すために費やしていると思いますか？(亡無)たくさんの物や情報で溢れている現代、余所見をしていると自分は何をしたいのか、自分の本質は何か、分からなくなってしまいがちです。道中で一度立ち止まって、直接問いかけたり俯瞰して自分を見つめたりと、自身と対峙しながら本質を確認する作業は、必要だと思います。
6. 『六道の辻』では、喪失、憎しみ、赦し、破壊といったテーマが繰り返し描かれています。しかし、その楽曲は明確な答えや結論を提示しようとはしていないようにも感じます。皆さんは「答え」よりも「問い」の方に興味を惹かれるのでしょうか。(亜光)あの曲は事後。惨劇の後の話。壊れてしまったもの、あるいは自分で壊したものを儚く歌っていると思います。答えや問いが重要というよりは、一人の人間の感情の変化。剥き出しの部分、熱した怒りが冷たくなった虚無として現れたり、場面ごとに表情が変わる様を表現しているように感じます。
7. 欧米では、傷は乗り越えるべきもの、あるいは過去に置いていくべきものとして語られることが少なくありません。一方、日本には、ひび割れを修復しながらもその痕跡を歴史の一部として残す「金継ぎ」という考え方があります。KOKESHIの歌詞を読んでいると、その傷跡との向き合い方にどこか通じるものを感じました。皆さん自身も、その考え方に近い感覚を持っていますか？
8. KOKESHIの音楽には、激しさの極致とも言える瞬間と、壊れてしまいそうなほど繊細な瞬間が共存しています。皆さんにとって、その二つの極端な感情はどのような関係にあるのでしょうか。(亜光)kokeshiの思想、音楽の根本の重要なテーマに「静と動」というのがあります。それが時には「破滅と浄化」「生と死」などに変化し表現されています。常に反対側の視点でも物事を捉えて楽曲を制作できれば理想だと考えています。サウンド面では小さい音と大きい音の抑揚の幅やダイナミクスは、kokeshiが演奏する面で一番大事に心がけていることです。(亡無)壊れそうなほど繊細な瞬間は、次にくる激しい場面をさらに強調させてくれるし、激しい瞬間の後の繊細なフレーズは、激しさの余韻を広げてくれるように感じます。両極端の表現がお互いをより豊かなものにしているのだと思います。
9. KOKESHIのビジュアル表現には、海、赤い糸、断片化された身体、影のような人物など、繰り返し現れるイメージがあります。意識していなくても、自然と作品に入り込んでくる象徴やモチーフはありますか？(亜光)廃墟や廃屋、深い森に侵食された都市など、「かつて人間が存在していた場所」は意識せずとも象徴的に扱っているように思います。例えば、大海原で溺れているようなイメージの曲でも、作るビジュアルは家のバスルームであったりなど、音と詩の世界とはまた違うギャップのある映像や写真を作ることによって、曲の奥行きや表現の幅が広がると考えています。単純に音のイメージに絵をマッチさせないことが重要かもしれません。
10. 映像作品やビジュアル、ライブ表現も含めて、KOKESHIは音楽だけでは語りきれない世界観を持っているように感じます。皆さんの中には、「言葉で説明するより先に、まず見せたい」と思う感情やイメージはありますか？(亡無)あります。まずは作品の世界観を感じてほしいと思っています。MVもCDのジャケットもライブも、それぞれ別のものではなく、一つの作品を構成する表現だと考えています。その世界に入り込んでもらうためには、音楽はもちろんですが、視覚的な情報も欠かせません。例えば、CDのジャケットは曲を聴くよりも前にインプットされる情報です。だからこそ、その作品の空気や物語を最初に感じてもらえるような、世界観の入口として大切にしています。
11. ヨーロッパではKOKESHIの音楽は「ブラックメタル、スクリーモ、シューゲイザー、ホラー的な美学の融合」と紹介されることがよくあります。そうした説明はKOKESHIを的確に表していると思いますか？ それとも物語の一部しか伝えていないと感じますか？(亜光)ヘヴィなロックやメタルに影響を受け、楽曲を制作しているので、その表現は的確だと思います。あとは日本の童歌や歌謡曲を聴いて育ってきたので、土着的な音楽をヘヴィに仕上げるという面も多いにあります。
12. 2017年の結成以来、多くの海外アーティストと共演し、日本国外にも活動の場を広げてきました。国によってKOKESHIの受け取られ方に違いを感じたことや、意外だった反応はありましたか？(亜光)日本のお客さんは、固唾を飲んで静かに観ているので非常に緊張感が高い空間になりますが、海外の場合、お客さんたちは興奮していたり楽しくライブを観ている印象でした。アジア諸国のリスナーたちはとてもリスペクトをもって迎えてくれました。ヨーロッパでは我々のようなホラーやスピリチュアル、オカルトチックなものを題材にしたバンドが数多くいそうなので楽しみです。
13. もしマドリード公演で初めてKOKESHIを知った人が、曲名もジャンルも何も覚えていないまま会場を後にするとしたら、その帰り道にどんな感情や印象だけは持ち帰ってほしいと思いますか？(亜光)破滅と浄化を感じてほしい。我々はもともと音楽的に難しいことを考えるよりも、重低音を出してドーパミンを分泌する集団なので、極悪な音とアンビエントなギター、ポエトリーというサウンドで魂の救済を与えられたらいいなと思っています。(亡無)何も考えずその世界観に身を委ねて観てほしいです。そして、観た人の心に何かが残ればいいなと思っています。その何かはあなたの中で生き続け、またkokeshiを見たいという衝動が湧いてくると思います。
